Neue Filme, die alt aussehen: 9 Schwarzweißfilme aus der Farbzeit

Farbe und HD sind überall, doch manche Filmemacher wählen Schwarzweiß mit Absicht. Diese Liste versammelt neun neuere Filme, die wie Klassiker wirken, in Erscheinungsreihenfolge, mit Postern, Regie und Besetzung.

Zu jedem Film erklären wir, warum die Regie Schwarzweiß wählte, was diese Entscheidung der Geschichte gibt und wofür der Film sonst bekannt ist. Manche sind Hommagen an das alte Hollywood, andere persönliche Erinnerungen, und einige nutzen das Fehlen von Farbe, um eine seltsame Welt noch seltsamer wirken zu lassen.

Warum heute Schwarzweiß wählen

Jahrzehntelang war Schwarzweiß einfach die Art, Filme zu machen. Als Farbe zur Regel wurde, wurde Schwarzweiß zur Entscheidung, und heute ist es fast immer eine bewusste. Regisseure nutzen es, um eine Epoche heraufzubeschwören, das Kino zu ehren, das sie lieben, oder das Bild auf Licht, Schatten, Gesichter und Formen zu reduzieren.

Ohne Farbe achtet das Auge mehr auf Bildaufbau, Textur und Ausdruck. Eine Falte, eine Spiegelung auf nassem Asphalt oder die Maserung einer Holzwand werden sichtbarer. Viele Kameraleute sagen, Schwarzweiß zwinge sie, jede Szene sorgfältiger zu beleuchten, weil sie Elemente nicht über Farbe trennen können.

Es ist auch ein kommerzielles Risiko. Studios und Streamingdienste fürchten oft, dass das Publikum Filme ohne Farbe meidet, und jeder dieser Titel musste um seinen Look kämpfen. Dass mehrere Oscars und Festivalpreise gewannen, zeigt, dass sich das Risiko lohnt, wenn die Entscheidung der Geschichte dient.

So haben wir ausgewählt

Wir haben Filme der 2010er und 2020er gewählt, die aus künstlerischer Entscheidung überwiegend in Schwarzweiß gedreht wurden, nach Kritik und Stil. Es ist kein nummeriertes Ranking.

Wir haben nur Spielfilme aufgenommen, die überwiegend in Schwarzweiß gedreht wurden, keine Filme mit einzelnen monochromen Szenen. Die meisten sind Dramen, doch die Liste enthält auch eine Stummfilmkomödie, einen Horrorfilm und eine Coming-of-Age-Geschichte, um zu zeigen, wie verschieden die Ergebnisse sein können.

Preise spielten eine Rolle, denn mehrere dieser Filme wurden hoch ausgezeichnet, aber wir haben auch darauf geachtet, wie sie Schwarzweiß einsetzen. In jedem Fall ist das Fehlen von Farbe kein Trick, sondern Teil dessen, was der Film sagt.

The Artist (2011)

Regie: Michel Hazanavicius. Mit Jean Dujardin, Bérénice Bejo.

Warum er zählt: The Artist des Franzosen Michel Hazanavicius ist ein schwarzweißer Stummfilm über einen Stummfilmstar, der mit dem Aufkommen des Tonfilms alles verliert. Er gewann fünf Oscars, darunter als bester Film, und Jean Dujardin wurde der erste französische Schauspieler mit dem Oscar als bester Hauptdarsteller. Der Hund Uggie wurde selbst zur Berühmtheit.

Achten Sie darauf, wie der Film die Sprache der Zwanziger nutzt: Zwischentitel, durchgehende Orchestermusik, übertriebene Gesten und das alte fast quadratische Format. In einer brillanten Szene taucht im Albtraum des Helden plötzlich Ton auf, und alles um ihn herum macht Geräusche, nur seine eigene Stimme nicht.

Eine perfekte Einführung in den Stummfilm für alle, die nie einen gesehen haben, leicht, lustig und romantisch. Cinephile entdecken viele Anspielungen auf das klassische Hollywood, alle anderen genießen einfach eine bezaubernde Liebesgeschichte, erzählt mit Musik und Gesichtern.

Frances Ha (2012)

Regie: Noah Baumbach. Mit Greta Gerwig.

Warum er zählt: Frances Ha von Noah Baumbach, geschrieben mit Greta Gerwig, die auch die Hauptrolle spielt, folgt einer Tänzerin in New York, die noch nicht ganz bereit ist, erwachsen zu werden. Die Schwarzweißbilder sind eine bewusste Verbeugung vor der französischen Nouvelle Vague und den Klassikern über die Stadt.

Achten Sie auf die Szene, in der Frances zu David Bowies Modern Love durch die Straßen rennt und tanzt, ein Moment voller Freude und eine Hommage an einen früheren französischen Film. Der Film besteht aus kleinen Momenten: Wohnungswechsel, peinliche Abendessen, ein Kurztrip nach Paris.

Frances Ha wurde zum Lieblingsfilm vieler Mittzwanziger, die sich etwas verloren fühlen, und half, Greta Gerwig als Autorin und Regisseurin bekannt zu machen. Er ist kurz, witzig und zärtlich, ideal für alle, die Figurenkomödien großen Plots vorziehen.

Ida (2013)

Regie: Paweł Pawlikowski. Mit Agata Trzebuchowska.

Warum er zählt: Ida von Paweł Pawlikowski folgt einer jungen Novizin im Polen der Sechziger, die vor ihrem Gelübde erfährt, dass sie Jüdin ist und ihre Familie im Krieg starb. Er war der erste polnische Film, der den Oscar als bester fremdsprachiger Film gewann.

Sehen Sie sich den Bildaufbau an: Der Film nutzt ein fast quadratisches Format und setzt die Figuren oft an den unteren Bildrand, mit viel leerem Raum darüber, als drücke das Gewicht der Geschichte sie nieder. Jede Einstellung wirkt wie eine sorgfältig komponierte Fotografie.

Der Film ist kurz, still und intensiv und belohnt Geduld. Ideal für alle, die sich für europäische Geschichte und Filme über Glauben und Identität interessieren. Seine Zurückhaltung lässt die emotionalen Momente umso stärker wirken.

Nebraska (2013)

Regie: Alexander Payne. Mit Bruce Dern, Will Forte.

Warum er zählt: Nebraska von Alexander Payne folgt einem alten Mann, der glaubt, eine Million Dollar bei einem Gewinnspiel gewonnen zu haben, und dem Sohn, der ihn quer durch den Bundesstaat fährt, um den Gewinn abzuholen. Bruce Dern wurde in Cannes als bester Darsteller ausgezeichnet, und der Film erhielt sechs Oscar-Nominierungen, darunter als bester Film.

Achten Sie darauf, wie Schwarzweiß die flache Landschaft des Mittleren Westens zugleich traurig und schön macht: leere Straßen, Kleinstädte, alte Bars. June Squibb, ebenfalls für den Oscar nominiert, stiehlt als Mutter, die kein Blatt vor den Mund nimmt, mehrere Szenen.

Der Film verbindet Komödie und Melancholie und erzählt vom Altern, von Familie und von den Träumen, die man ein Leben lang mit sich trägt. Ideal für Fans von Roadmovies und Eltern-Kind-Geschichten, besonders berührend für alle mit alten Eltern.

Cold War (2018)

Regie: Paweł Pawlikowski. Mit Joanna Kulig, Tomasz Kot.

Warum er zählt: Cold War, ebenfalls von Paweł Pawlikowski, erzählt eine Liebesgeschichte über fünfzehn Jahre zwischen Polen, Berlin, Jugoslawien und Paris nach dem Zweiten Weltkrieg. Pawlikowski ließ sich von seinen eigenen Eltern inspirieren und gewann in Cannes den Regiepreis. Der Film erhielt drei Oscar-Nominierungen, darunter für die beste Regie.

Achten Sie darauf, wie Musik die Geschichte trägt, von polnischen Volksliedern bis zum Pariser Jazz. Das Hauptlied wechselt sein Arrangement, während die Liebenden Land und Leben wechseln, und zeigt, wie Politik und Exil sie verändern. Der Film ist knapp erzählt, mit großen Zeitsprüngen.

Eine gute Wahl für Freunde romantischer Dramen, die nicht alles erklärt brauchen. Schwarzweißbilder und Musik machen ihn zu einem der schönsten europäischen Filme seines Jahrzehnts, am besten gemeinsam mit Ida zu sehen.

Roma (2018)

Regie: Alfonso Cuarón. Mit Yalitza Aparicio.

Warum er zählt: Roma, geschrieben, inszeniert und fotografiert von Alfonso Cuarón, erzählt von seiner Kindheit in Mexiko-Stadt Anfang der Siebziger aus der Sicht von Cleo, einer Hausangestellten. Der Film gewann den Goldenen Löwen in Venedig und drei Oscars, für Regie, fremdsprachigen Film und Kamera, und Yalitza Aparicio wurde in ihrer ersten Rolle als beste Hauptdarstellerin nominiert.

Achten Sie auf die langen, langsamen Kamerabewegungen, die den Alltag im Haus und auf der Straße beobachten, und auf die Klangdetails ringsum. Die Strandszene gegen Ende, in einer einzigen Einstellung gedreht, gehört zu den stärksten Momenten des jüngeren Kinos.

Das Tempo ist ruhig und kontemplativ, deshalb sollte man ihn ohne Ablenkung sehen, am besten auf großer Leinwand. Ideal für alle, die Filme über Erinnerung und Familie lieben, und zugleich ein Porträt Mexikos in politisch angespannter Zeit.

The Lighthouse (2019)

Regie: Robert Eggers. Mit Willem Dafoe, Robert Pattinson.

Warum er zählt: Der Leuchtturm von Robert Eggers wurde auf Schwarzweißfilm in einem fast quadratischen Format gedreht, damit er wie ein Film aus den Zwanzigern oder Dreißigern wirkt. Willem Dafoe und Robert Pattinson spielen zwei Leuchtturmwärter auf einer felsigen Insel, die langsam den Verstand verlieren. Die Kameraarbeit wurde für den Oscar nominiert.

Sehen Sie sich die Texturen an: Regen, Wind, Salz und Ruß wirken fast greifbar. Die Dialoge ahmen die Sprache alter Seeleute nach, und Dafoe liefert Monologe wie auf der Theaterbühne. Der Film mischt psychologischen Horror, schwarzen Humor und Mythos, mit Anspielungen auf Seemannslegenden.

Ein seltsamer, intensiver Film, nicht für alle, aber unvergesslich für Fans ungewöhnlichen Horrors. Wer Filme mag, die Raum für Deutung lassen, hat danach viel zu besprechen, vor allem darüber, was real ist und was Wahnsinn.

Mank (2020)

Regie: David Fincher. Mit Gary Oldman.

Warum er zählt: Mank, inszeniert von David Fincher nach einem Drehbuch seines verstorbenen Vaters Jack Fincher, begleitet den Drehbuchautor Herman J. Mankiewicz beim Schreiben von Citizen Kane. Der Film erhielt zehn Oscar-Nominierungen, die meisten des Jahres, und gewann zwei, für Kamera und Szenenbild.

Achten Sie darauf, wie Fincher den Stil der Vierziger nachahmt: tiefe Schwärzen, Überblendungen und sogar der Ton, der wie eine alte Aufnahme klingen soll. Gary Oldman spielt Mank geistreich, selbstzerstörerisch und politisch wach, in einem Hollywood mächtiger Studiobosse.

Der Film steckt voller Anspielungen auf das alte Hollywood und die Politik der Dreißiger und belohnt alle, die Citizen Kane kennen. Für andere ist er das Porträt eines brillanten Autors im Kampf mit seinen Dämonen. Citizen Kane vorher zu sehen ist eine gute Idee.

Belfast (2021)

Regie: Kenneth Branagh. Mit Jude Hill, Caitríona Balfe.

Warum er zählt: Belfast, geschrieben und inszeniert von Kenneth Branagh, beruht auf seiner Kindheit in Nordirland zu Beginn der Troubles 1969. Er gewann den Oscar für das beste Originaldrehbuch, Branaghs ersten Oscar nach vielen Nominierungen. Der Film beginnt und endet in Farbe und wechselt für die Erinnerungen zu Schwarzweiß.

Erleben Sie die Geschichte durch die Augen von Buddy, einem neunjährigen Jungen, gespielt von Jude Hill, der Gewalt in seine Straße kommen sieht und zugleich das Kino, erste Schwärmereien und die Lieder von Van Morrison entdeckt. Judi Dench und Ciarán Hinds spielen warmherzige, witzige Großeltern.

Der Film hält Angst und Zärtlichkeit in Balance und ist ideal für Fans von Familien- und Coming-of-Age-Geschichten. Zugleich ist er ein zugänglicher Einstieg in den Beginn des Nordirlandkonflikts, erzählt auf Augenhöhe eines Kindes.

Womit anfangen

Wählen Sie nach Stimmung, von leicht bis intensiv:

• Leicht und charmant: The Artist oder Frances Ha.
• Familie und Erinnerung: Belfast oder Roma.
• Bittersüßes Roadmovie: Nebraska.
• Liebe und europäische Geschichte: Ida, dann Cold War.
• Für Cinephile: Mank, nachdem Sie Citizen Kane gesehen haben.
• Etwas Seltsames und Intensives: Der Leuchtturm.

Wer selten Schwarzweißfilme sieht, beginnt mit The Artist oder Frances Ha. Beide sind kurz, witzig und leicht zu verfolgen und zeigen, dass monochrom weder altmodisch noch langsam bedeutet. Nach wenigen Minuten gewöhnt sich das Auge, und das Fehlen von Farbe fällt nicht mehr auf.

Sehen Sie diese Filme in einem dunklen Raum, auf dem besten Bildschirm, den Sie haben. Schwarzweiß lebt vom Kontrast, und ein heller Raum oder ein Handydisplay können die Bilder flach wirken lassen. Mehrere, etwa Roma und Der Leuchtturm, wurden für die große Leinwand gemacht.

Häufige Fragen

Warum nutzen moderne Filme Schwarzweiß?

Regisseure nutzen es für Stimmung, ein zeitloses Gefühl, als Verbeugung vor dem klassischen Kino oder um die Aufmerksamkeit auf Licht, Formen und Darstellung zu lenken.

Was ist der beste moderne Schwarzweißfilm?

Roma, Ida, Cold War und Der Leuchtturm gehören zu den meistgelobten, und The Artist gewann den Oscar als bester Film.

Ist The Artist ein Stummfilm?

Ja. Er ist weitgehend stumm und in Schwarzweiß, eine Hommage an Hollywood der 1920er Jahre.

Hat ein moderner Schwarzweißfilm den Oscar als bester Film gewonnen?

Ja. The Artist (2011) gewann den Oscar als bester Film, von insgesamt fünf Oscars.

Wurden diese Filme auf Schwarzweißfilm gedreht?

Einige ja. Der Leuchtturm wurde auf Schwarzweißfilm gedreht, andere digital aufgenommen und in Schwarzweiß fertiggestellt.

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