Películas nuevas que parecen antiguas: 9 películas en blanco y negro de la era del color
Nueve películas nuevas rodadas en blanco y negro por elección, de El artista, Frances Ha e Ida a Nebraska, Cold War, Roma, El faro, Mank y Belfast, con directores y reparto.
El color y el HD están en todas partes, pero algunos cineastas eligen el blanco y negro a propósito. Esta lista reúne nueve películas recientes que parecen clásicos, por orden de estreno, con carteles, directores y reparto.
En cada película explicamos por qué el director eligió el blanco y negro, qué aporta esa decisión a la historia y por qué más se la recuerda. Algunas son homenajes al viejo Hollywood, otras son recuerdos personales, y unas pocas usan la falta de color para que un mundo extraño resulte aún más extraño.
Por qué elegir el blanco y negro hoy
Durante décadas, el blanco y negro era simplemente la forma de hacer cine. Cuando el color se volvió norma, pasó a ser una elección, y hoy casi siempre es deliberada. Los directores lo usan para evocar una época, rendir homenaje al cine que aman o reducir la imagen a luz, sombra, rostros y formas.
Sin color, la mirada atiende más a la composición, la textura y la expresión. Una arruga, un reflejo en el asfalto mojado o la veta de una pared de madera se vuelven más visibles. Muchos directores de fotografía dicen que el blanco y negro los obliga a iluminar cada escena con más cuidado, porque no pueden confiar en el color para separar los elementos.
También es un riesgo comercial. Estudios y plataformas temen que el público evite las películas sin color, así que cada uno de estos títulos tuvo que pelear por su aspecto. Que varios ganaran Oscar y premios de festivales demuestra que el riesgo compensa cuando la elección sirve a la historia.
Cómo elegimos
Elegimos películas de las décadas de 2010 y 2020 rodadas sobre todo en blanco y negro por elección artística, por recepción crítica y estilo. No es un ranking numerado.
Solo incluimos largometrajes hechos mayoritariamente en blanco y negro, no películas con algunas escenas monocromas. Casi todas son dramas, pero la lista tiene también una comedia muda, una película de terror y una historia de crecimiento, para mostrar lo distintos que pueden ser los resultados.
Los premios pesaron, ya que varias de estas películas ganaron galardones importantes, pero también miramos cómo usan el blanco y negro. En cada caso, la falta de color no es un truco sino parte de lo que la película quiere decir.
The Artist (2011)
Dirigida por Michel Hazanavicius. Con Jean Dujardin, Bérénice Bejo.
Por qué importa: El artista, del director francés Michel Hazanavicius, es una película muda en blanco y negro sobre una estrella del cine mudo que lo pierde todo con la llegada del sonoro. Ganó cinco Oscar, incluido el de Mejor Película, y Jean Dujardin fue el primer actor francés en ganar el de Mejor Actor. El perro Uggie se volvió una celebridad por sí mismo.
Fíjate en cómo usa el lenguaje de los años veinte: intertítulos, música orquestal continua, gestos exagerados y el antiguo formato casi cuadrado. Hay una escena brillante en la que el sonido aparece de golpe en una pesadilla del protagonista y todo a su alrededor suena, menos su propia voz.
Es una introducción perfecta al cine mudo para quien nunca vio uno: ligera, divertida y romántica. Los cinéfilos encontrarán muchas referencias al Hollywood clásico, y el resto puede simplemente disfrutar de una historia de amor encantadora contada con música y rostros.
Frances Ha (2012)
Dirigida por Noah Baumbach. Con Greta Gerwig.
Por qué importa: Frances Ha, dirigida por Noah Baumbach y escrita junto a Greta Gerwig, que también la protagoniza, sigue a una bailarina en Nueva York que todavía no está lista para crecer. Las imágenes en blanco y negro son un guiño consciente a la Nouvelle Vague francesa y a las películas clásicas sobre la ciudad.
Presta atención a la escena en que Frances corre y baila por la calle con Modern Love de David Bowie, un momento lleno de alegría y un homenaje a una película francesa anterior. La película está hecha de pequeños momentos: mudanzas de piso, cenas incómodas, un viaje rápido a París.
Frances Ha se volvió la favorita de mucha gente veinteañera que se siente algo perdida, y ayudó a lanzar a Greta Gerwig como guionista y directora. Es corta, divertida y tierna, ideal para quien prefiere las comedias de personajes a las grandes tramas.
Ida (2013)
Dirigida por Paweł Pawlikowski. Con Agata Trzebuchowska.
Por qué importa: Ida, de Paweł Pawlikowski, sigue a una joven novicia en la Polonia de los años sesenta que, antes de tomar los votos, descubre que es judía y que su familia murió durante la guerra. Fue la primera película polaca en ganar el Oscar a la Mejor Película Extranjera.
Mira la composición: la película usa un encuadre casi cuadrado y suele colocar a los personajes en la parte baja del plano, con mucho espacio vacío arriba, como si el peso de la historia los aplastara. Cada plano parece una fotografía cuidadosamente compuesta.
Es corta, silenciosa e intensa, y premia la paciencia. Es ideal para quien se interesa por la historia europea y por las películas sobre fe e identidad. Su contención hace que los momentos emotivos golpeen aún más fuerte.
Nebraska (2013)
Dirigida por Alexander Payne. Con Bruce Dern, Will Forte.
Por qué importa: Nebraska, dirigida por Alexander Payne, sigue a un anciano convencido de haber ganado un millón de dólares en un sorteo y al hijo que acepta llevarlo en coche a través del estado para cobrarlo. Bruce Dern ganó el premio al Mejor Actor en Cannes, y la película recibió seis nominaciones al Oscar, incluida Mejor Película.
Presta atención a cómo el blanco y negro vuelve el paisaje llano del Medio Oeste algo triste y hermoso a la vez: carreteras vacías, pueblos pequeños, bares viejos. June Squibb, también nominada al Oscar, se roba varias escenas como la madre que dice lo que piensa.
La película mezcla comedia y melancolía y habla de la vejez, la familia y los sueños que cargamos toda la vida. Es ideal para quien disfruta de las road movies y de las historias entre padres e hijos, y suele tocar más a quien tiene padres mayores.
Cold War (2018)
Dirigida por Paweł Pawlikowski. Con Joanna Kulig, Tomasz Kot.
Por qué importa: Cold War, también de Paweł Pawlikowski, cuenta una historia de amor que abarca quince años entre Polonia, Berlín, Yugoslavia y París tras la Segunda Guerra Mundial. Pawlikowski se inspiró en sus propios padres y ganó el premio al Mejor Director en Cannes. Recibió tres nominaciones al Oscar, incluida Mejor Dirección.
Observa cómo la música guía la historia, de las canciones folclóricas polacas al jazz parisino. La canción principal cambia de arreglo a medida que los amantes cambian de país y de vida, mostrando cómo la política y el exilio los transforman. La película es compacta, con grandes saltos temporales entre escenas.
Es buena opción para amantes de los dramas románticos que no necesitan que todo se explique. Las imágenes en blanco y negro y la música la convierten en una de las películas europeas más bellas de su década, y funciona muy bien junto a Ida.
Roma (2018)
Dirigida por Alfonso Cuarón. Con Yalitza Aparicio.
Por qué importa: Roma, escrita, dirigida y fotografiada por Alfonso Cuarón, recrea su infancia en la Ciudad de México a comienzos de los setenta a través de Cleo, una trabajadora del hogar. Ganó tres Oscar, a Mejor Director, Mejor Película Extranjera, la primera para México, y Mejor Fotografía, y Yalitza Aparicio, en su primer papel, fue nominada a Mejor Actriz.
Presta atención a los movimientos de cámara largos y lentos que observan la vida diaria de la casa y de la calle, y a los detalles de sonido por todas partes. La escena de la playa, cerca del final, es uno de los momentos más poderosos del cine reciente, rodada en un solo plano.
Tiene un ritmo lento y contemplativo, así que conviene verla sin distracciones, mejor en pantalla grande. Es ideal para quien ama las películas sobre la memoria y la familia, y ofrece además un retrato de México en un momento de tensión política.
The Lighthouse (2019)
Dirigida por Robert Eggers. Con Willem Dafoe, Robert Pattinson.
Por qué importa: El faro, de Robert Eggers, se rodó en película en blanco y negro con un encuadre casi cuadrado, para que pareciera un film de los años veinte o treinta. Willem Dafoe y Robert Pattinson son dos fareros aislados en una isla rocosa que poco a poco pierden la razón. La fotografía fue nominada al Oscar.
Fíjate en las texturas: lluvia, viento, sal y hollín parecen casi palpables. Los diálogos imitan el habla de los viejos marineros, y Dafoe ofrece monólogos dignos del teatro. Mezcla terror psicológico, humor negro y mito, con guiños a las leyendas del mar.
Es una película extraña e intensa, no para todos, pero inolvidable para los fans del terror poco convencional. Quien disfruta de películas que dejan espacio a la interpretación tendrá mucho de qué hablar después, sobre todo sobre qué es real y qué es locura.
Mank (2020)
Dirigida por David Fincher. Con Gary Oldman.
Por qué importa: Mank, dirigida por David Fincher a partir de un guion de su difunto padre, Jack Fincher, sigue al guionista Herman J. Mankiewicz mientras escribe Ciudadano Kane. Recibió diez nominaciones al Oscar, la que más ese año, y ganó dos, a fotografía y diseño de producción.
Presta atención a cómo Fincher imita el estilo del cine de los cuarenta: negros profundos, fundidos e incluso el sonido, diseñado para sonar como una grabación antigua. Gary Oldman hace un Mank ingenioso, autodestructivo y políticamente lúcido, en un Hollywood dominado por magnates poderosos.
Está llena de referencias al viejo Hollywood y a la política de los años treinta, así que premia a quien conoce Ciudadano Kane. Para los demás, funciona como retrato de un escritor brillante en lucha con sus demonios. Ver Ciudadano Kane antes es buena idea.
Belfast (2021)
Dirigida por Kenneth Branagh. Con Jude Hill, Caitríona Balfe.
Por qué importa: Belfast, escrita y dirigida por Kenneth Branagh, se basa en su infancia en Irlanda del Norte al comienzo del conflicto en 1969. Ganó el Oscar al Mejor Guion Original, la primera victoria de Branagh tras muchas nominaciones. Abre y cierra en color y pasa al blanco y negro para los recuerdos.
Mira la historia con los ojos de Buddy, un niño de nueve años interpretado por Jude Hill, que ve llegar la violencia a su calle mientras descubre el cine, los amores escolares y las canciones de Van Morrison. Judi Dench y Ciarán Hinds son unos abuelos cálidos y divertidos.
La película equilibra miedo y ternura y es ideal para quien disfruta de historias familiares y relatos de crecimiento. También es una introducción accesible al comienzo del conflicto norirlandés, contado a la altura de un niño.
Por dónde empezar
Elige según el ánimo, de lo más ligero a lo más intenso:
- Ligera y encantadora: El artista o Frances Ha.
- Familia y memoria: Belfast o Roma.
- Road movie agridulce: Nebraska.
- Amor e historia europea: Ida y luego Cold War.
- Para cinéfilos: Mank, después de ver Ciudadano Kane.
- Algo extraño e intenso: El faro.
Si casi nunca ves cine en blanco y negro, empieza por El artista o Frances Ha. Las dos son cortas, divertidas y fáciles de seguir, y demuestran que monocromo no significa anticuado ni lento. A los pocos minutos el ojo se acostumbra y la falta de color deja de notarse.
Mira estas películas en una habitación oscura y en la mejor pantalla que tengas. El blanco y negro depende mucho del contraste, y una sala iluminada o la pantalla del móvil pueden apagar las imágenes. Varias, como Roma y El faro, se hicieron para verse en grande.
Preguntas frecuentes
¿Por qué el cine moderno usa blanco y negro?
Los directores lo usan por el ambiente, la sensación atemporal, como homenaje al cine clásico o para centrar la atención en la luz, las formas y las interpretaciones.
¿Cuál es la mejor película moderna en blanco y negro?
Roma, Ida, Cold War y El faro están entre las más elogiadas, y El artista ganó el Óscar a la mejor película.
¿El artista es una película muda?
Sí. Es en gran parte muda y en blanco y negro, un homenaje al Hollywood de los años veinte.
¿Alguna película moderna en blanco y negro ganó el Oscar a Mejor Película?
Sí. El artista (2011) ganó el Oscar a Mejor Película, entre cinco estatuillas en total.
¿Se rodaron estas películas en película en blanco y negro?
Algunas sí. El faro se rodó en película en blanco y negro, mientras que otras se rodaron en digital y se terminaron en blanco y negro.
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